National Gallery

Istoric

În 1823, un colecționar pe nume Sir George Beaumont s-a oferit să doneze faimoasa sa colecție de tablouri guvernului britanic pentru a înființa o galerie de artă publică. În 1824, o altă colecție celebră de tablouri a fost scoasă la vânzare. Proprietarul, John Julius Angerstein, murise. Se părea că picturile sale vor fi vândute în afara Angliei. Apoi a apărut o altă ofertă de tablouri din partea unui al treilea colecționar, reverendul Holwell Carr. Parlamentul a trebuit să ia o decizie rapidă.

Parlamentul a votat că ar trebui inițiată o colecție națională și construită o galerie. Au dat 60.000 de lire sterline pentru a cumpăra tablourile lui Angerstein. Au obținut 38 de tablouri și au putut să le expună public în Casa Angerstein.

Colecția a crescut rapid, picturile lui Beaumont și Holwell Carr, precum și altele, fiind cumpărate sau dăruite. Era nevoie de o nouă galerie. În 1831, planurile arhitectului William Wilkins au fost acceptate. A fost ales amplasamentul care dădea spre Trafalgar Square, clădirile vechi au fost demolate, iar noua galerie magnifică a fost inaugurată la 9 aprilie 1838.

La deschiderea Galeriei Naționale, exista o opinie puternică potrivit căreia picturile din perioada Renașterii înalte de la sfârșitul anilor 1400 până la picturile baroce din anii 1600 erau cele mai bune tipuri de artă. Cuvântul primitiv era folosit pentru a descrie picturile italiene din anii 1300 și începutul anilor 1400. Din fericire, directorul Galeriei, Sir Charles Eastlake, a considerat că este important să colecționeze unele dintre aceste picturi primitive, precum și picturile mai populare din perioada Renașterii înalte. Așa a ajuns Galeria Națională să dețină atât de multe lucrări foarte rare din Evul Mediu târziu și din perioada Renașterii timpurii.

În anii 1870, galeria a avut norocul să primească două colecții de tablouri ale unor artiști olandezi celebri. Clădirea a trebuit să fie extinsă pentru a le găzdui. Galeria a primit, de asemenea, tablouri ale unor artiști britanici celebri; în curând au fost atât de multe încât majoritatea au fost mutate într-o nouă galerie numită Tate.

În secolul al XX-lea, era din ce în ce mai dificil să cumperi tablouri foarte importante; existau alte galerii în Statele Unite și Germania care încercau să cumpere aceleași tablouri. Astfel, National Gallery a început să cumpere lucrări ale unor pictori mai moderni și în curând a avut o colecție de picturi din secolul al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea. Aceasta nu reprezintă o mare parte din colecția Galeriei Naționale, dar prezintă lucrări mici ale multor artiști foarte importanți, în special ale impresioniștilor.

Madona cu roze de Rafael, pictată în jurul anului 1506, este unul dintre cele mai recente tablouri importante achiziționate de Galeria Națională.

Picturi importante

Italiană timpurie

• Duccio, Madona cu pruncul, c.1300, Sienna
• Masaccio, Madona și copilul, c.1426, Florența
• Fra Angelico, Hristos în glorie, c.1435, Florența

• Uccello, Sfântul Gheorghe și dragonul, c.1450, Florența

Povestea acestui tablou este o legendă creștină despre un dragon care a furat o prințesă. Prințesa a fermecat balaurul și l-a legat cu centura, dar nu a putut scăpa. Nobilul George a venit în ajutorul ei și a ucis dragonul. Există multe picturi ale Sfântului Gheorghe în Galeria Națională, deoarece el este patronul Angliei. Uccello a încercat să arate perspectiva peisajului prin dispunerea zonelor luminoase și întunecate pe sol. Liniile diagonale sunt importante în acest tablou. Linia făcută de aripa și piciorul dragonului merg în aceeași direcție cu sulița lui George, în timp ce corpul și coada merg în direcția opusă.

• Piero della Francesca, Botezul lui Hristos, c.1450, Umbria
• Mantegna, Agonia în grădină, 1460, Mantua
• Pollaiuolo, Martiriul Sfântului Sebastian, 1475, Florența

• Sandro Botticelli, Marte și Venus, anii 1480, Florența

Povestea acestui tablou provine din mitologia romană. Marte, Zeul Războiului, a făcut dragoste cu Venus, Zeița Iubirii. El este atât de obosit încât nu știe că micile zâne se joacă cu armele sale. Dar una dintre ele este pe punctul de a-i sufla puternic în ureche un obuz mare. Mesajul acestui tablou este că Dragostea poate învinge Războiul. Desenul se bazează pe un W. mare, ceea ce face ca tabloul să fie simetric. Botticelli a realizat acest tablou pentru dormitorul lui Giuliano de'Medici, un nobil bogat din Florența. L-a pictat pe Marte pentru a semăna cu Giuliano și pe Venus pentru a semăna cu iubita sa, dar Giuliano nu a avut prea mult timp să se bucure de picturile sale, deoarece a fost ucis la scurt timp după aceea.

• Perugino, Madona și Pruncul cu îngerii Mihail și Rafael, 1496, Perugia
• Giovanni Bellini, Portretul lui Leonardo Loredano, Doge al Veneției, 1501, Veneția

Pictura nord-europeană timpurie

• Pictor necunoscut, Dipticul Wilton, c.1395, Anglia sau Franța

Dipticul Wilton este una dintre cele mai prețioase picturi din Galeria Națională, deoarece majoritatea operelor de artă de mici dimensiuni din Evul Mediu din Anglia au fost distruse. Această pictură îl înfățișează pe regele Richard al II-lea al Angliei fiind prezentat Fecioarei Maria de către cei trei sfinți protectori ai săi. Este pictată în tempera; culorile sunt amestecate cu ou. Cuvântul "diptic" înseamnă că este în două părți și poate fi închisă ca o carte. Fundalul este acoperit cu foiță de aur bătută subțire. Albastrul este realizat din piatră semiprețioasă măcinată, lapis lazuli. Este posibil să fi fost pictat ca un cadou de nuntă pentru rege, în timp ce se afla în Franța.

• Jan van Eyck, Nunta din Arnolfini, 1434, Belgia
• Hans Memling, Fecioara și Pruncul cu sfinți și donatori, 1477, Bruges
• Rogier van der Weyden, Pieta, c.1460, Bruxelles
• Hieronymous Bosch, Batjocorirea lui Hristos, c.1480, Bois-le-Duc
• Albrecht Durer, Tatăl pictorului, 1497, Nuremberg

• Gerard David, Fecioara și Pruncul cu sfinți și un donator, 1505, Bruges.

Acest tablou este un altar pentru o biserică. O reprezintă pe Fecioara Maria așezată ca o regină pe un tron cu Pruncul Iisus. Acesta este venerat de trei femei sfinte și de bărbatul care l-a plătit pe artist pentru a realiza tabloul pentru biserică. El este numit "donatorul". Totul în tablou a fost pictat cu lux de amănunte, hainele, faianța, bijuteriile, clădirile și florile. Multe dintre lucrurile din tablou sunt simboluri. Cățelușul este simbolul credincioșiei. Crinii sunt simbolul purității Fecioarei Maria. Tabloul nu prezintă o parte a unei povești sau un moment în timp. Tabloul a fost pictat pentru a ajuta privitorul să-și calmeze mintea pentru rugăciune.

• Lucas Cranach, Cupidon, înțepat de o albină, 1522, Weimer
• Hans Holbein, Ambasadorii, 1533, născut la Augsburg și decedat la Londra. A se vedea mai jos.
• Pieter Breughel cel Bătrân, Adorația regilor, 1564, Bruxelles

Italia în anii 1500

• Leonardo da Vinci, Fecioara de pe stânci, c.1506, Milano. A se vedea mai jos.
• Michelangelo, Înmormântarea lui Hristos, c.1506, Roma. A se vedea mai jos.
• Rafael, Madona Ansidei, c.1505,
• Giorgione, Adorația regilor, 1507, Veneția

• Titian, Bacchus și Ariadna, 1523, Veneția

Această imagine provine din mitologia greacă. Prințesa Ariadna a naufragiat pe Naxos, insula lui Bacchus. Bacchus o vede pe Ariadna și se îndrăgostește la prima vedere. Titian îl arată sărind din carul său tras de gheparzi, în timp ce Ariadna se întoarce să fugă. Dar Ariadna a privit în ochii lui Bacchus și s-a îndrăgostit și ea. Pe cer se vede coroana de stele pe care Bacchus i-a dăruit-o la nunta lor. Titian a pictat o mișcare în spirală în multe dintre figuri. Aceasta poate fi observată în eșarfa roșie a Ariadnei. Deși acest tablou este despre mitologie, figurile sunt foarte realiste.

• Parmigiano, Madona și Pruncul cu Sfântul Ioan, 1527, Parma

• Lorenzo Lotto, Doamna ca Lucreția, 1530, Veneția

Acest portret înfățișează o femeie îmbrăcată într-o rochie de catifea bogat colorată, care ține în mână un desen al Lucreției, o femeie nobilă din Roma Antică care s-a sinucis înjunghiindu-se după ce a fost violată. Este posibil ca pictura să fi fost realizată pentru o familie care dorea ca fiica lor să se căsătorească bine. Simbolismul picturii arată, în primul rând, că tânăra este bogată și, în al doilea rând, că este pură din punct de vedere sexual. Aceste două lucruri erau importante pentru o căsnicie bună. Lotto a folosit contrastul de culori în rochia portocalie și verde pentru a crea un efect de bogăție. De asemenea, a folosit în mod neobișnuit contrastul de tonuri. Zonele foarte deschise, cum ar fi fața, sânul și mâna, controlează centrul picturii. Alte trei zone foarte luminoase sunt plasate în partea dreaptă: desenul, mâna și nota. Acest aranjament este asimetric

• Bronzino, Alegorie, c.1550, Florența. A se vedea mai jos.
• Tintoretto, Sfântul Gheorghe și dragonul, anii 1560, Veneția

Italia, Franța și Spania în anii 1600

• Caravaggio, Cina de la Emaus, c.1600, Roma

Această pictură se bazează pe o poveste din Biblie. Doi dintre discipolii lui Iisus mergeau pe drumul spre Emaus, vorbind cu tristețe despre moartea lui Iisus. Un bărbat a venit și a mers cu ei, dar la început nu l-au recunoscut. În acea seară, luând cina la un han, și-au dat seama brusc că era Isus care înviase din morți și acum era viu. Caravaggio a înfățișat acest moment în timp ca și cum ar fi fost o fotografie. Lucrurile care fac ca acest tablou să pară atât de real sunt lumina, mișcarea și detaliile. Caravaggio a pictat lumina care vine dintr-o parte ca și cum ar fi fost o lampă mare. Capul hangiului face o umbră în spatele lui Iisus care este ca o aureolă. Tabloul a surprins o singură secundă, când Iisus și-a ridicat mâna, un om începe să se ridice în picioare, iar celălalt își întinde brațele. Doar hangiul este nemișcat. Vederea mâinii lui Iisus, a brațelor bărbatului și a cotului celuilalt bărbat sunt prescurtate. Detaliile arată oameni obișnuiți, cu haine obișnuite, vechi și rupte. Există, de asemenea, o natură moartă a coșului de pe marginea mesei. Iluminarea și realismul lui Caravaggio au fost copiate de mulți alți pictori, printre care Rembrandt și Velazquez.

• El Greco, Hristos alungându-i pe negustori din Templu, c.1600, Toledo
• Annibale Carracci, Quo vadis? , 1602, Roma

• Claude Le Lorrain, Plecarea reginei din Saba, 1648, Franța și Roma

Acest peisaj imaginar se bazează pe o poveste din Biblie. În această scenă, regina din Saba pornește în călătoria sa din Africa spre Palestina pentru a-l întâlni pe regele Solomon. Dar ceea ce artistul a vrut să arate cu adevărat a fost lumina cețoasă a răsăritului de dimineață deasupra mării. El a pictat, de asemenea, trei tipuri diferite de clădiri. În stânga este o ruină antică, precum cele pe care artistul le-a văzut la Roma. În fundal se află un castel și un turn din Evul Mediu. În stânga, regina iese dintr-un palat grandios în noul stil al Renașterii. Nimic din acest tablou nu are legătură cu Africa sau Palestina. Este vorba despre Roma. Arătând-o pe Regina din Saba, Poussin spune că orașul Roma, cu toată istoria sa de 2000 de ani, este ca cea mai frumoasă și mai inteligentă regină care a trăit vreodată. Acest tip de pictură se numește "alegorie".

• Nicholas Poussin, Bacchanale, 1603, Franța și Roma

Această pictură este o scenă din mitologia romană. Femeile sunt nimfe, spiritele pădurii. Unii dintre bărbați sunt satiri și au coarne și copite de capră. Aceștia trăiesc pe Naxos, insula lui Bacchus, și petrec mult timp îmbătându-se, dansând și făcând dragoste. În această petrecere sălbatică, chiar și bebelușii beau vin. O nimfă este pe punctul de a sparge o carafă de vin în capul unui satir, care încearcă să o sărute pe prietena ei. Poussin a folosit suprafețe mari de culori strălucitoare. La prima vedere, tabloul pare o încâlceală de corpuri, dar totul este aranjat foarte atent pentru a da un efect de dans întregului tablou. O formă triunghiulară mare conține toate figurile. În afara triunghiului, în dreapta, se află o statuie a lui Pan. În partea stângă se află un peisaj frumos.

• Diego Velazquez, Venus din Rokeby, 1649, Madrid.

Această imagine este preluată din mitologia romană. O arată pe Venus, zeița iubirii și a frumuseții, privind într-o oglindă ținută de fiul ei, Cupidon. Velazquez și-a petrecut cea mai mare parte a timpului pictând portrete pentru familia regală a Spaniei și pentru rudele acesteia. El este unul dintre cei mai faimoși portretiști din toate timpurile. Dar acest tablou a fost făcut probabil pentru el însuși, iar când l-a realizat, s-a expus pericolului unei pedepse grave. În Spania, deși regele domnea, Biserica deținea controlul. Aceasta supraveghea tot ceea ce făcea toată lumea și a pus să fie condamnați la moarte un număr foarte mare de oameni. În Spania era interzis prin lege să pictezi tablouri nud ca acesta. Velazquez a fost foarte atent să-i arate doar spatele. Imaginea feței nu este foarte clară. Oglinzile vechi nu erau la fel de clare ca cele moderne. Poate că Velazquez a vrut să deghizeze fața femeii pentru a o proteja. Aranjamentul și coloritul din acest tablou sunt foarte simple. Liniile grațioase ale corpului se repetă în păturile de pat gri și albe. Perdeaua roșie se află în același unghi cu capul ei și este de o culoare caldă, ca și carnea ei roz.

• Murillo, Cele două Treimi, 1681, Sevilla

Olanda și Flandra în anii 1600

• Gerrit von Honthorst, Hristos în fața Marelui Preot, 1617, Utrecht

• Rembrandt, Ospățul lui Belșațar, anii 1630, Leyden

Rembrandt este cel mai bine cunoscut ca pictor de portrete, în special pentru numeroasele autoportrete care înregistrează viața sa de la adolescență până la bătrânețe. De asemenea, a pictat multe scene din Biblie, cum ar fi aceasta. Tatăl prințului Belșațar a dus poporul evreu în Babilon ca sclav. Belșațar dădea o petrecere și a trimis servitorii să aducă cupele de aur care fuseseră furate din Templul din Ierusalim. Dintr-o dată, o mână ciudată a apărut și a scris un mesaj pe perete. Nimeni nu știa ce înseamnă, așa că Balșațar l-a întrebat pe Daniel, care era un profet evreu. Daniel a spus: "Ai fost cântărit și măsurat de Dumnezeu. Nu îndeplinești regulile lui Dumnezeu. Zilele tale sunt numărate!" Acest tablou arată cât de mult au învățat pictorii olandezi de la Caravaggio. Acest tablou poate fi comparat cu Cina cea de Taină de la Emaus. Este o altă scenă plină de dramatism. Rembrandt a plasat două dintre figuri în unghiuri neobișnuite. Trupul lui Belșațar este orientat spre privitor, dar capul său este întors pentru a vedea ce se întâmplă în spatele său. În timp ce sare de pe scaun, el lovește cupa de aur ținută de una dintre soțiile sale. Ea se află, de asemenea, într-un unghi ciudat, deoarece privitorul privește în jos pe capul și umerii ei. Rembrandt a creat un contrast între textura bogată a hainelor sale și fața sa flască și burta grasă.

• Anthony van Dyck, Carol I al Angliei călare, 1631, Londra. A se vedea mai jos.

• Peter Paul Rubens, Judecata de la Paris, 1632, Anvers

Rubens a fost un pictor atât de popular încât a devenit bogat și faimos. A pictat portrete și multe scene din Biblie și mitologie. Povestea acestui tablou este din mitologia greacă și romană. Paris a fost un prinț care a fost crescut de un cioban. I s-a dat un măr de aur și i s-a cerut să judece un concurs de frumusețe între trei zeițe: Iuno, zeița familiei, Minerva, zeița războiului și Venus, zeița iubirii. Fiecare dintre ele oferea o recompensă: bogăție, succes în luptă și cea mai frumoasă femeie din lume ca soție. Paris a ales-o pe ultima și i-a dăruit mărul lui Venus. Acest lucru a înfuriat doi oameni foarte puternici. Și, ceea ce nu și-a dat seama a fost că cea mai frumoasă femeie din lume, Elena dinTroia, era deja căsătorită. Rubens a pictat un tablou pentru a decora peretele casei unui patron bogat. Tabloul are o mulțime de detalii care contribuie la relatarea poveștii. Printre acestea se numără micul Cupidon, un câine ciobănesc, păunul lui Juno, scutul înfricoșător al Minervei și oile care pasc în peisajul frumos. Dar cele mai importante lucruri din tablou sunt cele trei nuduri frumoase. Aceasta a fost ceea ce a făcut ca tablourile lui Ruben să fie atât de populare.

• Franz Hals, Grup familial, anii 1640, Anvers
• Pieter der Hoogh, Curtea din Delft, 1658, Delft. A se vedea mai jos.
• Johannes Vermeer, Tânără femeie la fecioare, c.1670, Delft. A se vedea mai jos.

• Meyndert Hobbema, The Avenue, 1689, Middelharnis

Pictura peisagistică a devenit foarte populară în Olanda în anii 1600. În această imagine, perspectiva este foarte importantă. Într-o țară foarte plană, poate fi greu de apreciat cât de departe sunt lucrurile. Hobbema a folosit acest drum drept cu două rânduri de copaci înalți pentru a da senzația că orașul este foarte departe. La prima vedere, acest tablou pare destul de simetric. Dar Hobbema a adăugat o mulțime de diferențe pentru a face pictura mai interesantă, echilibrând o fermă pe de o parte și o biserică pe de altă parte și făcând cele două rânduri de copaci foarte diferite.

Anii 1700

• Watteau, Iubiții, c.1720, Franța
• Giambattista Pittoni ,Sacrificiul lui Polyxena, 1740, Veneția
• Canaletto, Bazinul Sfântului Marcu în ziua Înălțării, c.1740, Veneția
• Chardin, Micul învățător, c.1740, Paris. A se vedea mai jos.
• William Hogarth, Marriage a la Mode ("Căsătorie la modă", o poveste în șase tablouri), 1743, Londra

• George Stubbs, O familie în faetonul lor, c.1750, Anglia

În anii 1700, picturile de peisaje erau populare în Anglia, dar acestea erau mai mult decât simple imagini ale peisajului rural frumos, pictate ca decorațiuni pentru o cameră. Majoritatea picturilor de peisaje erau, de asemenea, înregistrări ale unei familii și ale terenurilor pe care le dețineau. Erau un semn al bogăției și al statutului familiei. În acest tablou, proprietarii de terenuri își prezintă parcul privat cu varietatea de arbori. De asemenea, aceștia își prezintă splendida pereche de cai și trăsura lor elegantă numită "phaeton". Împreună, această trăsură și caii reprezintă echivalentul din secolul al XVIII-lea al unei mașini foarte scumpe. Stubbs a fost cel mai faimos pentru pictura cailor. A fost un maestru în compunerea de tablouri frumoase. Aici, el a creat un echilibru între pălăria mare la modă a doamnei, așezată pe copacul întunecat, și caii negri pe cerul palid.

• Tiepolo, Alegoria iubirii și a timpului, 1754, Italia
• Joshua Reynolds, Sir Banastre Tarleton, 1782, Londra
• Thomas Gainsborough, Plimbarea de dimineață, 1786, Londra
• Goya, Ducele de Wellington, 1812, Spania și Franța

De la 1800 încoace

• Turner, The Temeraire, 1838, Londra

Acesta este un tablou trist. Numele său complet este "The Fighting Temeraire" (Temeraire de luptă), remorcat până la ultimul său loc de acostare pentru a fi dezmembrat ca fier vechi. Aceasta este ultima călătorie a uneia dintre marile nave de război care a luptat pentru Anglia împotriva flotei franceze în Bătălia de la Trafalgar. Forma sa înaltă și elegantă contrastează cu remorcherul negru și murdar, cu pâlnia fumegândă, care o remorchează. Turner, care era expert în pictarea mării, a cerului și a vremii, a plasat luna pe cer în apropierea velierului. Luna se află în ultima sa fază. În cealaltă parte a tabloului, soarele răsare cu o strălucire roșie ca un foc pe apă. Luna în descreștere este simbolul trecerii epocii marilor veliere. Soarele arzând pe apă este simbolul noii ere a motorului cu aburi.

• Constable, The Haywain, 1821, Suffolk
• Ingres, Madame Moitessier, 1856, Paris
• Courbet, Femei pe malul Senei, 1857, Franța

• Henri Fantin-Latour, Mere pe o farfurie, 1861, Franța

Această imagine este o natură moartă. În Renaștere, sculpturile cu naturi moarte făceau adesea parte din decorarea lemnului din interiorul camerelor importante ale unui palat. În anii 1600 și 1700, picturile cu naturi statice au devenit, de asemenea, obișnuite și erau cel mai des întâlnite în sufragerie, unde fructele, florile și animalele care fuseseră ucise pentru carne erau decorațiuni la modă. În anii 1800, mulți artiști, precum Fantin-Latour, au pictat mici naturi statice ca aceasta pentru a-și exersa abilitățile de a aranja o imagine, de a studia lumina și de a studia textura. De asemenea, mulți artiști au pictat naturi statice pentru că erau prea săraci pentru a plăti un model de artist sau pentru că vremea era prea rea pentru a picta peisaje. Fantin-Latour a realizat un număr mare de tablouri mici ca acesta. El a aranjat patru mere de culori și forme diferite și a studiat modul în care lumina se reflectă pe suprafețele lor curbe.

• Manet, Chelnerița, 1879, Paris
• Claude Monet, The Houses of Parliament, Londra, pictor francez. Vezi mai jos.
• Renoir, Umbrelele, c.1880, Franța

• Seurat, Băile de la Asnieres, 1884, Franța

Seurat a fost un prieten al pictorilor impresioniști francezi. El avea o teorie conform căreia toate culorile sunt alcătuite dintr-o mulțime de culori care sunt sortate atunci când lumina trece prin ochi. El a experimentat cu culoarea pictând în puncte mici. Stilul său de pictură se numește Pointillism. Realizarea acestui tablou de mari dimensiuni a durat mult timp. Deși este o scenă în aer liber, cu multe figuri, este foarte liniștită, ca și cum timpul s-ar fi oprit. Dacă privim atent tabloul, se poate observa că până și părțile care par albe sau negre sunt formate din sute de mici puncte de culoare.

• Edgar Degas, Pieptănarea părului, c.1885, Paris
• Cezanne, Munții din Provence, 1890, Provence

• Vincent van Gogh, Peisaj cu pin de chirpici, c.1890, Franța

Vincent van Gogh a avut o viață dificilă și zbuciumată. S-a născut în Olanda, dar a plecat să picteze în Franța. A avut foarte puțini prieteni și a avut dificultăți în a-și vinde picturile. Din fericire, a avut sprijinul fratelui său Theo și al unui doctor pentru care picta tablouri. Acest peisaj este un bun exemplu al stilului său. În pictură, totul pare să aibă o viață proprie. Norii sunt ca niște fiare mari care se rostogolesc pe cer, grâul unduitor se întinde ca niște mâini, munții sunt zbuciumați, iar pinul cipriot pare destul de periculos. Vincent a folosit fiecare tușă de pensulă pentru a ajuta la crearea acestei mișcări asemănătoare cu o flacără. Un alt lucru important în acest tablou este contrastul. Culorile trec de la roșu-portocaliu cald la albastru-gheață. Copacul mare și întunecat din dreapta este în contrast tonal cu norii albi. Direcția verticală a copacului este în contrast cu direcția orizontală a peisajului. În 1890, Vincent s-a sinucis după ce a pictat sute de tablouri în doar cinci ani.

• Henri Toulouse-Lautrec, Femeie în grădină, 1891, Franța
• Douanier Rousseau, Tigru speriat de o furtună, 1891, Paris
• Gustav Klimt, Portretul lui Hermine Gallia, 1904, Viena

Seurat


van Gogh


Fantin-Latour


Turner


Stubbs


Hobbema


Rubens


Rembrandt


Velázquez


Poussin


Lorrain


Caravaggio


Lorenzo Lotto


Titian


Gerard David


Dipticul Wilton


Botticelli


Uccello

Galerie

Pagini conexe

• Uffizi
• Luvru
• Hermitage